2018 嘉義國際藝術紀錄影展

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找不到的我 Lost Pieces of Me

 
 

人群摸索 Puzzled Mass

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Calculations

人算


黃庭輔 Huang Ting Fu

台灣 Taiwan | 1991 | 5 min
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

4/01(日)13:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

人是否為萬物的度量衡?能算亦不能算,終無算。人算不如天算、天算不如無算,萬事萬物終歸於無、於毀滅。我們將何所求?黃庭輔導演藉由人體與世間萬物的相互反射,臨摹物質社會的度量標準,以「算」之概念界定內在與外在的分水嶺,其過程亂中有序,亦以略帶反物質的指控,批判了我們習以為常的社會序理。感覺為唯一的真實,內心的真相則存在於表面,而我們所看到的,又是何種真實?

Can everything be measured? Being countable while uncountable, nothing ends up being counted. God’s scheme trumps the men’s, might as well have no scheme at all. Everything ultimately ends up being nothing. So what are we chasing after? Director Huang Ting-Fu depicts the measurements of the materialistic society through the reflections between the human body and everything else in the world, with “Calculations” as the division between our inner- and outer-selves. It’s a chaotic process with an underlying order, plus a tiny bit of anti-materialism sprinkled in. It criticizes the regulations of society that we are all long used to. What you feel is the only truth, and the truth of our inner-self exists on the surface. So what version of the truth is the one we see every day?

 

導演簡介

1961年福建省金門出生,來自相對於台灣的另一邊陲小島。1988年畢業於國立台灣藝術大學廣電科,1989年至2016於國家電影中心工作,1985在學時第一次拍電影《8釐米》,亦開始親近大師們的作品。人類身體的處境一直是黃庭輔導演探索的母題,那處於有限空間,並抱持數種對待時間的態度:不安、焦躁,又無法逃離,唯有等待,等待終結。紀錄片型式的多樣性亦是導演追求的目標,以具象方式,真正形塑主角內心的處境。


男洞_1.jpg

Male Hole

男洞

侯俊明 Hou Chun Ming

台灣 Taiwan | 2017 | 14 min
●影展首映 Film Festival Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

4/01(日)13:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

藝術家侯俊明展出作品《男洞》,這個「洞」代表記憶的、窺視與秘密,也象徵慾望、匱乏與追尋。藝術家採取訪談創作模式,受訪者真誠地自我揭露,先在畫布上塗鴉,藝術家再配合畫出回應,以互動產生關係的連結,進而完成看似詭譎繽紛,卻蘊藏悲欣交集的「身體圖」。侯俊明表示,他從2014年迄今完成52位「身體圖」的訪談創作,其中有23位男性,他們對於身體展現的有強烈的渴望與自覺,透過圖像創作的轉化過程,敘述男人如何完成自我凝視與救贖。

This is a piece by artist Hou Chun-Ming. The “hole” symbolizes memories, voyeurism, secrets, lust, emptiness, and the chase for all of them. The artist created the piece through a series of interviews where the interviewees bared all. They doodled on the canvas before drawing down their responses to the artist’s questions, forming a connection through the interactions, and creating the eerily vibrant “Drawing of the Body”, choked full of mixed emotions. Hou Chun-Ming has created a total of 52 “Drawing of the Body” since 2014, 23 of them were males. The men are strongly conscious and long to express their bodies through drawings, telling stories of self-reflection and self-redemption.

 

導演簡介:

侯俊明,1963年生,台灣當代藝術家,嘉義縣六腳鄉人。就學時期因受當時盛行的工地秀、脫衣舞影響,故作品風格中充斥情色文化的符號印記與性別議題,其大學畢業展作品-「工地秀」,在畢業展之中飽受爭議,被要求關閉展品。1987年大學畢業後,侯俊明陸續發表了「大腸經」等系列作品,融合「性」與「民俗」將傳統宗教儀式與性器官衝突而大膽地呈現,其作品在往後更多次受邀參與國際級電影盛會。


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You Saved Me On Your Hand

我在妳的手心上擱淺

張博洋Chang Po Yang

台灣 Taiwan | 2017 | 15 min
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

4/01(日)13:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

每個地方都有歷史,承載歷史與記憶歷史的,除了透過文字、物件等,就是當下人們的集體記憶。記憶裡的真實與否,往往在論述時會漸漸模糊,原以為這樣消逝的過程,會成為人類最後的樣子。然而,或許只是以另一種新的方式活下去;台北赤峰街圍繞在一個商業密度很高的城市中,卻充滿著屬於這地方特有的生命力,而導演以一個外來者的觀點去體驗其所看到的鄰里,發覺赤峰街作為維修機件的場域氛圍其實還是存在於那些巷弄「聲聲不息」,而我們往往會錯過這些小道的存在,而往其他地方走去。因此,透過影像的紀錄與流動畫面的呈現,帶給觀者或是對於居民們對自己家園的另一種觀看方式。

Every place has its own history, what preserve them are words, objects, and the collective memories of the people of the time. The truth in those memories often blurs over time and repeated story-telling. This process of fading into blur would be the last image of the human race, or so we thought. Maybe they’ve just taken on a new form. Though video documentations and moving pictures, audiences and residents would be able to view their home from an entirely different perspective.

 

導演簡介:

張博洋,台灣高雄人,畢業於崑山科技大學-視訊傳播設計系。早期創作以四格漫畫為主,進入高職就學後,學習西洋繪畫與美學養成,逐漸培養對攝影、繪畫的興趣,大學時研習電影製作,四處涉獵各國影像、藝術作品。高職時期受達達主義、超現實主義等藝術派別影響,畫風與思想轉為抽象;大學時接觸觀念藝術與批判理論,作品風格導向情感的揣摩與試驗,表現手法則偏向實驗電影旣今。目前為左耳概念影像x聲想工作室成員,持續致力於發展實驗電影敘事的可能與劇本、詩詞、音樂等多元結合的創作。


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Nothing Can Call It

迷茫帶光的晨霧

張博洋Chang Po Yang

台灣 Taiwan | 2017 | 23 min
●影展首映 Film Festival Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

4/01(日)13:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

去到哪裡都需要交通工具,每到一個地方就重新編輯自己,不斷經歷初識、熟識與無視的過程。本件作品紀錄了身為首都的台北城,每日招呼著不同的人,而每位外來者,他們與原生的人一同生活,成為了一個不屬於此,也無法回去的人,讓時代與時間、穿梭、掩埋了他們最早的夢。

A mode of transportation is needed for traveling to different places, and upon arrival at a specific destination, a person readjusts and goes through the cycle of initial meeting, familiarization, and desensitization. This artwork documents the capital city Taipei which ushers in different people on a daily basis. Each outside lives among those born in Taipei, and becomes someone that does not belong but has no place to return to, as their original dreams get shifted and buried along with the progression of time.

 

導演簡介:

張博洋,台灣高雄人,畢業於崑山科技大學-視訊傳播設計系。早期創作以四格漫畫為主,進入高職就學後,學習西洋繪畫與美學養成,逐漸培養對攝影、繪畫的興趣,大學時研習電影製作,四處涉獵各國影像、藝術作品。高職時期受達達主義、超現實主義等藝術派別影響,畫風與思想轉為抽象;大學時接觸觀念藝術與批判理論,作品風格導向情感的揣摩與試驗,表現手法則偏向實驗電影旣今。目前為左耳概念影像x聲想工作室成員,持續致力於發展實驗電影敘事的可能與劇本、詩詞、音樂等多元結合的創作。


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Long Vacation In BK

布魯克林長假

趙中慧 Doll Chao

台灣 Taiwan | 2018 | 27 min
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

4/01(日)13:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

導演於布魯克林,回憶分⾝與過去的亞洲。她的作品是時代的大跳接,以層層疊加的心境,呈現以下字詞:任航、艾未未、⽩糖罐、兒時記憶、夢、 ⾳地⼤帝、巴奈、三鶯部落、家庭歷史、絕望的抗議、沮喪的政治、⾃殺的朋友、 當代的愛情故事、搖滾樂巡迴、遷移時代、漫遊、混合錄⾳帶、超⼋攝影機、⼗六釐⽶、三⼗五靜照、DV、⾼解析、4K 、iPhone、數位相機、動畫、模擬、科技、紀錄⽚、實驗、網路、意識流、電⼦、舞蹈、後龐克、嘻哈、地下、懷舊、台北、北京、極東、美國、布魯克林、台灣等。

Long Vacation BK diary is from 2007 - 2017. It is an ode to Taiwan and Asia while living in Brooklyn. The following words are terms that will be covered/expressed in the film: Family history, devastating protests, frustrated politics, suicide friends, contemporary love story, musician tour, migrating, dreams, time, space, era, roaming, wondering, murmuring, childhood memory, mix Tape, super 8, 3gp, 35mm still, DV, HD, 4K, iPhone, digital cameras, animation, analog, tech, documentary, experimental, Internet, stream of consciousness, electronic, dance, hip hop, nostalgia, Taipei, Beijing, Far East Asia, USA, Brooklyn. Ren Hang, Ai Wei Wei, Zuoxiao Zuzou, Indie Taiwan etc...

 

導演簡介:

趙中慧,1984 年⽣於台北,⾃ 2012 起駐布魯克林,紐約市⽴⼤學整合媒體藝術藝術創作碩⼠。實驗電影導演,樂團化名太空喵,成⽴於 2013 布魯克林。實驗短⽚曾⼊圍⼥性影展,遊牧影展,英國劍橋超⼋影展,台灣國際實驗媒體藝術展,另曾於北京,韓國,巴黎,澳⾨,美國,布魯塞爾,等地放映。


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Ruins of the Intelligence Bureau

廢墟情報局

許家維 Hsu Chia Wei

台灣 Taiwan | 2017 | 14 min
●影展首映 Film Festival Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/24(六)15:10 嘉義市立博物館1F放映室

 

《廢墟情報局》是在回莫村的情報局遺址所拍攝而成,情報局原有的房舍已經拆除,現今只遺留下地基,並且由泰國陸軍所管轄。藝術家邀請了目前仍居住在這個區域的情報局老兵參與拍攝,並以此地基作為一個舞台,演出泰國的傳統木偶表演。此外也邀請擔任情報員 39 年的老情報員(同時也是自強之家院長)錄製這部影片的旁白。影片從情報局地基上的木偶劇團表演開始,操偶師頭戴黑色面具並身著黑衣在進行這場表演。而旁白述說著一個遠古的傳說,關於猴子將軍哈努曼(Hanuman)拯救軍隊的故事。老情報員正在錄製這段旁白,他看著巨大的投影,一面說著遠古的傳說,一面描述著自己的真實經歷。這是一部結合了神話與現實、紀錄與虛構的電影,並呈現了回莫村複雜的認同、記憶與想像。

Ruins of the Intelligence Bureau was filmed at its historical site in Huai Mo Village. The original building of the Intelligence Bureau does not exist any longer, yet foundation slab, now governed by the Thai army, still remains. The artist invited former intelligence officers, who still live in this area, to participate in filming. The video also reveals the narration recording process. The video opens with the puppet show upon the grounds of the Intelligence Bureau; the puppeteers are dressed in black and wear black masks.Weaving together folklore and reality, documentary and fiction, this video reveals complex identities, memories and dreams of people in Huai Mo Village.

 

導演簡介:

1983年出生,許家維對於亞洲冷戰時期被遺忘的歷史有著濃厚的研究興趣,作品發展出對於探究現實與幻象、歷史與當下間的敏銳知性,並透過建立鏡頭以外的事件,連結正規歷史描述所未及的人與地方的關係。他不斷的嘗試融合當代藝術與電影的語言去發展作品,並關注於如何透過影像創作介入現實,進而生產一種介於敘事世界與現實之間的異質敘事體。同時透過一種批判的態度,透過影像的能力,將場域帶到美術館外任何一個地方,作為影像創作在政治實踐上的可能。


回莫村_1.jpg

Huai Mo Village

回莫村

許家維 Hsu Chia Wei

台灣 Taiwan | 2016 | 9 min
●影展首映 Film Festival Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/24(六)15:10 嘉義市立博物館1F放映室

 

《回莫村》講述的是泰緬邊境被遺棄的軍隊所面臨的多重文化的交錯,以及不被認可的尷尬身份。許家維此次創作計劃關注於泰國清萊回莫村的自強孤兒院,這些孤兒的產生與這個地區複雜的歷史有緊密的關係。1949 年國共內戰開打,國民黨戰敗後原屬國民黨政府的正規軍由雲南撤退至緬甸,原 20 多萬人員抵達緬甸時僅存2000 餘人員。這段期間,許多人也開始種起滿山的罌粟花,在過去這裡的毒品的產量佔全球產量的 80%,成為世界毒品中心。目前於回莫村自強孤兒院中有 68 位孩童,他們的父母多是因毒品交易被判死刑或因毒品糾紛而喪命。從講故事的人、聽故事的人、到由孤兒們組成的拍攝團隊,藝術家站在更為後方的位置,觀察著這一切。

Huai Mo Village relates the story of remnant troops on the border regions of Thailand and Burma who face the intersection of multiple cultural identities and an unrecognised identity. People who live under the spectre of history end up producing an ambiguity absent in ordinary people. In the video, the director of the orphanage (who was once an intelligence officer) points out the historical origins and changes. The artist’s customary style is extended in this work—the people telling the stories, the people hearing the stories, the crew made up of orphans, with the artist standing furthest back, observing it all.

 

導演簡介:

1983年出生,許家維對於亞洲冷戰時期被遺忘的歷史有著濃厚的研究興趣,作品發展出對於探究現實與幻象、歷史與當下間的敏銳知性,並透過建立鏡頭以外的事件,連結正規歷史描述所未及的人與地方的關係。他不斷的嘗試融合當代藝術與電影的語言去發展作品,並關注於如何透過影像創作介入現實,進而生產一種介於敘事世界與現實之間的異質敘事體。同時透過一種批判的態度,透過影像的能力,將場域帶到美術館外任何一個地方,作為影像創作在政治實踐上的可能。


飛行器、霜毛蝠、逝者證言.jpg

Testimony of the Aircraft,

 

Frosted Bat and Deceased

飛行器、霜毛蝠、

逝者證言

許家維 Hsu Chia Wei

台灣 Taiwan | 2017 | 8 min
●影展首映 Film Festival Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/24(六)15:10 嘉義市立博物館1F放映室

 

「台灣總督府工業研究所」這不為人熟悉的單位是許家維本次在尊彩藝術中心籌畫多時的個展名稱,而這也是他今年所發展而出,極富深度歷史探源的系列。台灣總督府工業研究所這個單位的出現,主要是台灣在日本時代的歷史發展中,因其殖民地工業化的政策導向,原意設立工業試驗所,然時局丕變。《飛行器、霜毛蝠、逝者證言》則是以海軍第六燃料廠新竹支廠遺址為背景,這間工廠以工業研究所的發酵工業部所研發的丁醇來生產航空器所用的燃料。在這件創作中,許家維以空拍機的特殊視點穿梭其間拍攝,透過當時員工的回憶錄的口述旁白以及電腦程式控制影像資料庫亂數播放。

“Industrial Research Institute of the Governor-General of Taiwan”, this unit, unknown to most, is also the name of the exhibition of artist Hsu Chia Wei in the Liang Gallery. It is one of his exhibits this year that is deeply rich in historical-root-searching. The founding of “Industrial Research Institute of the Governor-General of Taiwan” dates back to the Japanese-Occupied Period, when policies on the industrialization of colonies were announced. “Flying devices, Particolored Bats, and the Testimony of the Dead” has the ruins of the Hsinchu Branch of the Sixth Navy Fuel Plant Hsinchu Branch as backdrop.

 

導演簡介:

1983年出生,許家維對於亞洲冷戰時期被遺忘的歷史有著濃厚的研究興趣,作品發展出對於探究現實與幻象、歷史與當下間的敏銳知性,並透過建立鏡頭以外的事件,連結正規歷史描述所未及的人與地方的關係。他不斷的嘗試融合當代藝術與電影的語言去發展作品,並關注於如何透過影像創作介入現實,進而生產一種介於敘事世界與現實之間的異質敘事體。同時透過一種批判的態度,透過影像的能力,將場域帶到美術館外任何一個地方,作為影像創作在政治實踐上的可能。


藤田村_1.jpg

The years of Fujitamura

藤田村

李彥旻 Lee Yan Min

台灣 Taiwan | 2015 | 34 min
●影展首映 Film Festival Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/24(六)15:10 嘉義市立博物館1F放映室

 

一百年前無盡藏的阿里山林場,促成嘉義木材產業的興起,所有故事的起始點,就在今天的玉山二村,也就是昔日的藤田村。日本明治39 年(西元1906 年),日本總督府委託日本「大阪合名會社藤田組」,進行阿里山鐵道興建與森林開發之作業,藤田組即開始在嘉義市設立出張所與宿舍,成為阿里山森林開發經營計畫的開端。後來於日本明治43 年(西元1910 年),因開發經濟效益不彰影響下,藤田組決意退出,轉由總督府接手,即臺灣最早的林業聚落,迄今已逾百年。該聚落除靜靜地涵納了許多林務生活故事,在周遭的貯木池、動力室、排煙道、鋸屑室、焙房以及木材倉庫等設施,分工精細且完整的林業設備,讓當年嘉義製材工廠成為「東洋第一」,而製材廠的員工宿舍「藤田村」正代表著臺灣林業發展的開端,也見證了阿里山林業的興衰。

A hundred years ago, the endless resources in the Alishan Forestry, prompted the rise of the forest industry in Chiayi, which is also where the story begins, at the Fujitamura, now known as the Yushan 2nd Village. The community became the backdrop of stories in the forestry, which took place in its facilities such as storage rooms, power rooms, exhaust ducts, sawdust rooms, bakeries, and log warehouses. With highly refined division of labor and fully equipped plants, the forestry in Chiayi quickly became the number one forestry in the East Pacific. And the dormitories of the village symbolized the official start of the Taiwanese forest industry, and bore witness to the rise and fall of the Alishan forest industry.

 

導演簡介:

李彥旻為台灣紀錄片導演,作品多為探討本土議題與台灣過去歷史,其紀錄片風格充滿人道主義,在平凡的敘事中記錄不平凡的故事。著名作品有「二七部隊」、「縱橫山林間:鹿野忠雄」等。


What Man, Joe!

我的老喬啊

拉非・阿里亞 Rafeeq Ellias

印度 India | 2018 | 37 min
★世界首映 World Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/17(六)17:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

在前往生命盡頭的最後一段路上,你希望有什麼樣的音樂陪伴你?老喬(Joe)是一位小號演奏家-確切的說,他只為特殊的聽眾演奏-往生者,在陌生人生命的最後一站,他為此人的結尾下了最後的片尾曲。在一次又一次的演奏中,導演藉由老喬的工作內容與談話,帶領觀眾深刻體會到藝術家的另外一種呈現方式,隨著老喬與身邊朋友的對話,深刻走入屬於這位藝術工作者的生活。藝術在老喬的身上,展現了另一種風貌,一種跟著生活步調的隨興,但又帶著對生命尊重的嚴謹,這位藝術工作者對此做了最好的詮釋。

What music would you want accompanying you during the last moments of your life? Joe is a trumpeter, or more specifically, a trumpeter who only plays for a very special type of audience, the dead. He scores for the closing credits of strangers’ lives. Through numerous performances and conversations between the director and Joe on his job, the audiences were shown a completely different type of artistic expression. And through the conversations between Joe and his old friends, we got to have a deeper insight into the daily life of the artist. Art took a different form on Joe, a form that’s spontaneous, yet honors life itself, and no one does a better job interpreting this than Joe.

 

導演簡介:

Rafeeq Ellias為一位屢獲殊榮的電影人,他的作品多以平民生活為主軸,藉由紀錄片擷取出他們精彩的故事。著名的作品有“Love you to death”、“The Legend of fat mama”。


Born of Stone_1.jpg

Born of Stone:

 

Artist Pinuccio Sciola

為石而生:皮努丘修拉

埃米利奧・貝魯 Emilio Bellu

義大利 Italy | 2016 | 37 min
▲亞洲首映 Asia Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/17(六)17:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

你有聽過石頭的聲音嗎?在大眾耳中,也許石頭就是粗獷的代表,彼此間碰撞的嘈雜聲,更是難登大雅之堂。但跟著貝魯大師的目光,可以聽見、看見石頭另外一種風貌。在這位大師眼中,每塊石頭都是獨一無二的,用它們特殊的外型與色澤述說著曾經的往事。貝魯大師更發展出獨特的方式,把石頭的聲音具體化,在岩石上錯綜的刻紋有如琴弦一般,大師只需使用另一塊小石頭摩擦,便能產生截然不同的聲音。石頭不在侷限於只有碰撞聲,跟著本片導演的角度,深入了解獨特的石頭藝術,看見一位大師專注在此領域上,發展出獨一無二的表演藝術。

Have you ever heard the sound of rocks? In the ear of the public, rocks are the symbol of roughness. The sound of rocks clashing against each other isn’t considered melodic or artful at all. But through the perspective of Pinuccio Sciola, we get to experience rocks in way never before heard and seen. In the eyes and ears of the artist, every rock is unique, telling stories of the past with their shapes and colors. Pinuccio Sciola developed a unique technique to concretize the sound of rocks, the complex veins on them acting as cords, producing vastly different sounds just by rubbing one against another. The sounds of rocks clashing against each other is not the only sounds they are capable of producing. Experience the art of rocks from the perspective of the director, and see for yourself how an artist developed a type of art like no other.

導演簡介:

埃米利奧・貝魯(Emilio Bellu)的作品參與許多國際影展,同時身為導演、作家、攝影家。著名作品《Hold Me Tight》、《Siri Grows a Conscience》、《Personal Signet - Wires》。

 

藝術家簡介:

Pinuccio Sciola(1942年3月15日 - 2016年5月13日)是撒丁島San Sperate的意大利雕塑家和壁畫家。他的作品為附近小鎮Assemini的主要景點,其作品也曾在阿爾蓋羅(Alghero)展出。


One Day with John G. Morris

我與莫里斯的一天

馬爾凱塔・托瑪諾娃Marketa Tomanova

捷克 Czech | 2016 | 12 min
▲亞洲首映 Asia Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/17(六)17:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

照片,是最真實的藝術。照片記錄下屬於時代印記,在兵荒馬亂的戰事中,捕捉歷史最真實的一面,殘酷、卻淒美的展現在後人的目光前。莫里斯是一位資歷豐富的攝影家,他曾捕捉的影像貫穿了近代史,在每張照片中皆呈現了世界的殘忍與真實。在戰爭中出現的煉獄,與人類犯下的恐怖惡行,近代政治中的虛位與醜陋,一切彷彿都是影集的截圖一般,單純卻真實的呈現在觀眾眼前。本面隨著導演的視角,與莫里斯的對話,帶領觀眾探討藝術家眼中的和平主義與理想世界的對比。

Photography is the most true-to-life art form of them all. Photos capture the sign of the times, and the naked, brutal truth in the midst of war. The cruelty and poignancy on fully display to future generations. Morris is a seasoned and experienced photographer, capturing images throughout modern history that depicts the cruelty of reality. Hellish warzones, the horrible crimes of mankind, the ugly and the fake in modern politics, with everything looking like screenshots straight out of television series, simple yet vivid. This film, shot through the perspective of the director and his conversations with Morris, discusses the contrast between pacifism and the ideal world in the eyes of an artist.

 

導演簡介:

馬爾凱塔・托馬諾娃(Marketa Tomanova)為捷克的導演,在法國工作與生活。她同時在法國與布拉格的學習電影創作,過去曾執導過幾部短片與紀錄短片。而《安德烈.維萊:影像一生》是她首次執導與製作的紀錄長片。

 

藝術家簡介:

約翰・戈弗雷・莫里斯(John Godfrey Morris)(1916年12月7日 - 2017年7月28日)是美國圖片編輯,作家和文學家,也是新聞攝影史上的重要人物。


河 River_1.jpeg

River

廖祈羽 Liao Chi Yu

台灣 Taiwan | 2017 | 21 min
●影展首映 Film Festival Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/17(六)17:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

圖像與影像之間的辯證,則被藝術家揉進一個更聚焦在婚姻、愛情,以及情慾的敘事主線。表面上,這部錄像讓男女主角針對「河」與「人」之間的相似性討論,打開一個赫拉克利特式的愛情論題。男女主角之間的對話始終透露一種幽微的、不著邊際的「假」。這份「假」正如同他們身後的手繪布幕一般,多半是為了填補一個因為不可能靠向真實,以至於只能尋找替代物的空缺位置。然而值得玩味的是,如今,這些替代物卻成為人們再也難以逃離的唯一「現實」。

Artists often utilize and combine images and videos into storylines that tells stories of marriage, love, and lust. In the midst of them, the most exhibition-worthy scene has to be Tsuei Tai Hao on a tiny boat, slowly belting out the song “River” by the late Chang Yu-sheng. How we feel the need to post on social media when visiting tourist attractions, chasing down the locations that appear in travel guides and postcards, are all part of the “picture minded” nature of things. Long story short, the conversations between the main male and female characters always gives off an air of “fakeness”. The purpose of this “fakeness” is just like the canvas behind them, just things to fill the void that is unrealistic expectations. And what’s even more interesting, is that today, the things that were used to fill the void, are becoming the inescapable reality.

 

導演簡介:

廖祈羽,臺北藝術大學科技藝術研究所碩士。多次入選「臺北美術獎」,為2010年第五屆臺北數位藝術獎音像類首獎得主,作品主要為錄像,擅長運用自己在影片中進行角色扮演,探討生活中細膩的、細微的感受。曾多次入選「臺北美術獎」,為2010年第五屆臺北數位藝術獎音像類首獎,主要發展錄像作品,善於運用自己在影片中角色扮演的元素,探討生活經驗裡不同層面之細膩感受。


火墨_2.jpg

Fiery Ink (Director's Edition)

火墨(導演版)

袁慧莉 Yuan Hui Li

台灣 Taiwan | 2018 | 5 min
★世界首映 World Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/17(六)17:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

袁慧莉透過「火墨」作品結合了觀念與繪畫,一方面燒宣紙製成碳筆去畫,如此繪畫已有技術難度,同樣是臨摹(對臨)也與傳統有別,生成意味別樣的筆觸與圖象,充分呈現了筆觸與形體的殘缺與剩餘感,傳達出筆觸的身體感;這個對臨的過程實際上更傳達出另一種時間性,似乎「時間」在燒灼繪畫。另一方面,她以另一種方式回到水墨畫傳統的「焦墨」譜系上,重寫了中國現代性的黑度繪畫,從黃賓虹到張仃的焦墨傳統表達了現代性中國的焦灼感與苦惱,也對現代性黑度與生命體感的極致表達;袁慧莉剩餘化的焦墨,以紙灰做畫,似乎回到了繪畫的開始,回到了原始的素描,回到了繪畫最初的觸感。

Yuan Hui-Li successfully combined concepts and techniques in “Fiery Ink”, drawing with charcoal made out of burnt Xuan paper, which is an incredible feat itself. She then took things to the next level with step-by-step re-creation, instead of using traditional sketching techniques. The results are unique images and strokes that are broken and fragmented, the feel of the “body” of the ashy strokes on full display. Step-by-step re-creation also conveys a sense of “time”, like it was time itself burning in the image. On the other hand, she introduced a new spin to the traditional “coke ink” technique family, redefining modern Chinese ink painting. From Huang Binhong to Zhang Ding, “coke ink” has conveyed the in uncertainty and troubles of modern China, while serving as the ultimate way in modern ink painting to express the sense of life. Making coke ink out of ashes, and painting on grey paper, Yuan Hui-Li is taking it all back to the start, to the roots of sketching, and back to the original rush of drawing something down.

 

導演簡介:

袁慧莉1963年生於台北,1987年畢業於國立藝術學院美術系水墨組第一屆。袁慧莉所帶來的似真似幻的山水,詭譎的用色、山石奇異的錯置,如同是21世紀以來荒謬世界的反思。作品曾被英國瑞士聯合銀行(UBS)、高雄市立美術館、國立台灣美術館、關渡美術館、朱銘美術館、中國杭州恆盧美術館以及許多國內外私人單位典藏。


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The Eyes of Nan-Guang Deng

南光的眼睛

曹文傑 Tsao Wen Chieh

台灣 Taiwan | 2012 | 38 min
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/25(日)10:30 嘉義市立博物館1F放映室

 

《南光的眼睛》以台灣四五零年代備受尊崇的領導者鄧南光先生為敘事主題。鄧南光與張才、李鳴鵰被稱為臺北攝影界的三劍客,攝影技藝高超,累積作品豐富,熱心參與早期的臺北攝影沙龍評審活動,替台灣寫實攝影立下根基,更是世代攝影者的典範。本片從鄧南光先生的作品出發,照見北埔過往的風土民情,隨著鄧南光鏡頭下的阿林姐(她被拍攝時九歲,如今已是一位九十歲的阿婆。)凝視今日北埔與當代影像發展。

“The Eyes of Nan-Guang Deng” is a movie about the highly regarded Mr. Nan-Guang Deng during the 40s and 50s. Nan-Guang Deng, Chang Tsai, and Lee Ming-Tiao were called “Three Musketeers of the Taipei Film Scene”. They possess extraordinary technique, created countless bodies of works over time, and were passionate participants and judges of the young Taipei Salon of Photography. They laid down the roots of photography in Taipei, and became the photographers of their time. This film follows the works of Mr. Nan-Guang Deng, walking viewers through the ways of life in the past in Beipu with photos of Alin, (She was 9 when photographed, she is now 91 years old) and providing audiences a view on how Beipu has developed, and how much photography has advanced over time.

 

導演簡介:

輔仁大學心理研究所畢。文化大學戲劇系畢。曾任公視籌委會編導、電影 策劃、報刊自由撰稿。 超視「調查報告」及「生命.告白」製作人及編導。公視「踊舞.踏歌—雲門30」、「台灣世紀回味」、「世紀的容顏」等製作 人及編導、淡水社區大學大紀錄片講師、景文科技大學文化產業與創新設計研究所助理教授。現為後視野工作室製作人。雲門舞集二團專任導播。


鄧南光家庭電影_2.jpg

Deng Nan-guang's 8mm Movies

鄧南光8mm家庭電影

鄧南光 Deng Nan Guang

台灣 Taiwan | 1935-1941 | 57 min
無字幕 No Subtitles

3/25(日)10:30 嘉義市立博物館1F放映室

 

鄧南光是台灣早期重要的攝影家,也是最早使用動態影像記錄台灣的人。這些被認為是家庭紀錄的影像,洋溢著一種自然與親密感,事實上也反映了台灣當時的風土民情,更是當時罕見以平民觀點出發的珍貴台灣影像。本次播映是國家電影中心的「台灣電影經典數位修復計畫」2K數位修復版,重現了他在1935至1941年的六部經典短片。包括《漁遊》、《台灣博覽會8mm新聞》、《台北幼稚園運動會》;《某一天》則記錄日治時期的摩登男女出外踏青、划船,在草地上吸菸、彈奏烏克麗麗的悠閒畫面;另外還有拍攝一對母子到淡水河畔遊玩,呈現淡水河沿岸與大稻埕碼頭各種風貌的《淡水河》,以及日本千葉縣房總半島,依靠捕捉海草和鮑魚維生的海女為題的──《去看海女》。

Nan-Guang Deng is a key figure in Taiwanese photography, he is also the first to capture Taiwan on film. These films, speculated to be family videos, radiated a natural energy of closeness, which is also the social atmosphere of Taiwan at the time. They are also part of the extremely rare collection of footage shot from the perspective of the common folks. The film we’re playing is the restored version with a 2K resolution, it was part of the “Classic Taiwanese Film Restoration Project” by the Taiwan Film Institute, which restored 6 of his classic films shot between 1935 and 1941.

 

導演簡介:

本名鄧騰輝的鄧南光(1907-1971),出生於新竹縣北埔鄉。他是台灣四、五〇年代攝影界備受尊崇的領導者。他的攝影創作累積質量之豐富,在前輩攝影家中鮮人能及。鄧南光的作品,開啟台灣寫實主義攝影的扉頁。


Choe U Ram.png

Choe U-Ram

崔旴嵐

哈維札・阿布鐸・瓦希 Hafizah Abdul Wahid

美國 USA | 2016 | 23 min
●影展首映 Film Festival Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/18(日)20:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

韓國當代機械藝術家,崔旴嵐,使用著與其他藝術家截然不同的表演形式,他用創造出充滿人類特性的機械,令參展者分不清自己面對的究竟是冰冷的機械,還是活生生的人物。這樣衝突的藝術裝置,迅速獲得參展觀眾的心,每位參展人皆表示感覺進入了另外一個世界。崔旴嵐彷彿擁有古老而神祕的魔法-煉金術,在機械完工後灌注它們獨一無二的靈魂。在每件作品中,都彷彿有著活生生的物體,等待衝破機械的桎梏。本片深入探討崔旴嵐先生創作的動機與過程,帶領觀眾解讀這一項特殊的藝術表現方式。

U-Ram Choe is one of South Korea’s most exciting contemporary artists. Born in 1970 in Seoul, U-Ram creates meticulously intricate and beautiful art works. Biology, mathematics, robotics and engineering shape his work. In this episode of the series "Brilliant Ideas," presented by Bloomberg and Hyundai, U-Ram talks about his struggle to become an artist and reveals how he makes his extraordinarily life-like sculptures. His art has been shown in cities across the world including Tokyo, Venice, New York and Shanghai. His machine-like sculptures are remarkable - they have to be seen to be believed.

 

藝術家簡介:

崔旴嵐是韓國當代最具獨特色彩性的藝術家。不同於以往的機械,他創造出靈動而閃爍的生命機械,使它們冰冷的外在有著溫暖的色調,令每位參展者皆迷離於他一手打造的世界。


靈魂機械煉金術.jpg

Anima Machine

靈魂機械鍊金術

黃明川 Huang Ming Chuan

台灣 Taiwan | 2017 | 12 min
★世界首映 World Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/18(日)20:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

彷彿進入一個玄秘的異度空間,自由且無重力的機械生物,兀自緩緩律動,釋散著不尋常的能量與微光。崔旴嵐的每一件作品都是不可思議的神話和傳奇,似曾相識卻無法捉摸的異態生物,在四周呼吸發光繁衍,彷彿在生命源起之初就已存在。這些不知名的擬生物,浮游在未來的現今,緩緩而優雅的律動,像魚又像鳥,濾出振顫的光影。

It’s like entering a mysterious alternate dimension, with mechanical creatures moving freely in zero gravity, emitting a peculiar energy and glow. The works of Choe U-Ram are like legends and mythologies. The familiar yet foreign creatures radiate, breathe, and breed, like they’ve been here since the beginning of time. They glide calmly and elegantly within the future of the present, like fish and birds, casting down shaky shadows.

 

導演簡介:

黃明川,出生於嘉義,曾赴紐約與洛杉磯學習繪畫、攝影等,致力於獨立製片多年,《西部來的人》、《寶島大夢》、《破輪胎》等三部為其電影劇情長片作品,而近年他專注於拍攝藝術紀錄片,以藝術及藝術家為拍攝主體,涵蓋藝術領域多元,位台灣藝術留下眾多紀錄。

 

藝術家簡介:

韓國藝術家崔旴嵐(Choe U-Ram),是活躍於國際當代動態力學雕塑藝術極受矚目的代表,擅長以堅硬的不鏽鋼、精緻的金屬、微型馬達、光熱感應器、LED燈等,創作出謎樣奇想的機械藝術裝置。


假象 Illusion_2.jpg

Illusion

假象

賈科莫・札加內利 Giacomo Zaganelli

義大利 Italy | 2017 | 7 min
●影展首映 Film Festival Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/18(日)20:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

賈科莫來自文藝復興之城佛羅倫斯,隨著觀光產業的蓬勃發展,大批遊客湧入,占據當地的知名景點。儘管美景當前,這群遊客的注意力多放在手機或個人電子通訊產品上,城裡的百年歷史建築與雕塑則淪為群眾拍照、打卡的配角。此外,當地的古蹟建築在閉關整修之際,常會在工地圍檔及鷹架上掛飾印有建築外觀的輸出帆布,遊客見到了這些「景觀的贗品」,竟也不減拍照的興致。對賈科莫來說,整座城市似乎已被改造為迎合大眾口味的大型劇場造景,其中競相拍照與被拍的民眾,更像是一班失序的馬戲團,既滑稽又詭異。

Giacomo is from Florence, the city where the Renaissance originated. As the tourism industry boomed, tourists swarmed in and pretty much occupied all the famous local attraction. With such beautiful views right in front of their eyes, Giacomo noticed that most of the tourists focused their attention on their phones and personal communication devices. The buildings and sculptures in the city, which carries the weight of hundreds of years of history, ended up as check-in landmarks and backdrops for selfies. Moreover, when the sites are under maintenance, canvases with the building printed on them often get hung on the fences and scaffolds of the construction site. These “counterfeit views” of the building did not affect the tourists’ hunger for photos at all. To Giacomo, the whole city has become a theater prop with the sole purpose of pleasing the public, and the picture-hungry tourists are like a circus that has somehow lost control, absurd and bizarre.

 

導演簡介:

賈科莫・札加內利(Giacomo Zaganelli)同時兼具藝術家和策展人的雙重身分,關注面向包括藝術、建築與空間,擅長多元領域跨界創作,特別是回應地景、自然環境,以及當地社群之公共藝術裝置。賈科莫的研究著重於時間與空間的關係,並相信藝術的價值來自於其歷史深度,即對過去、現在及未來概念的具體實踐。


異地安置.png

Relocation

異地安置

賈科莫・札加內利 Giacomo Zaganelli

義大利/台灣 Italy Taiwan | 2017 | 8 min
●影展首映 Film Festival Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/18(日)20:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

在作品〈異地安置〉中,藝術家賈科莫試圖轉換都市景觀,建立佛羅倫斯與臺北之間的建築對話,並以此提問:在高度資本化與媒體化的現代社會中,影像之於人的功用與意義為何?此外,影片中也穿插了藝術家與臺灣在地學者的採訪談話,針對臺灣社會媒體化的徵候與亞洲人使用手機成癮的現象,解析「低頭族」的成因與影響。

In “Relocation”, artist Giacomo Zaganelli attempts to transformthe urban landscape, and facilitate exchanges between the architecture of Florence and Taipei. Taking the opportunity to ask the question, “What is the function and significance of images to the people living in the highly capitalized and mediaized modern society?” The film also includes interviews of the artist with local Taiwanese scholars, discussing the mediatization of the Taiwanese society, the addiction of smartphones in Asian countries, and the reasons behind the “phubber” phenomenon.

 

藝術家簡介:

賈科莫・札加內利(Giacomo Zaganelli)同時兼具藝術家和策展人的雙重身分,關注面向包括藝術、建築與空間,擅長多元領域跨界創作,特別是回應地景、自然環境,以及當地社群之公共藝術裝置。賈科莫的研究著重於時間與空間的關係,並相信藝術的價值來自於其歷史深度,即對過去、現在及未來概念的具體實踐。


 

Ballad on the Shore

岸上漁歌

馬智恆 Machi

香港 Hong Kong | 2017 | 98 min
■台灣首映 Taiwan Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/18(日)15:20 嘉義市立博物館1F放映室

 

小島之上,黎連壽口中哼著輕盈自在的漁歌:「大船拋住沱濘頭誒,舢舨送郎賴氏州呀⋯⋯」隨興變奏,調子重覆,與海浪聲載浮載沉。塔門黎氏靠捕魚維生,漁歌自古口耳相傳,但現在已難覓知音。黎伯生於戰前,是香港少數精通漁歌的水上人。子女無一從事漁業,也未曾經歷飄洋過海的生活,對父親的歌藝竟然聞所未聞。有人以漁歌表演,在社區教育兒童;也有人以漁歌傳道,敬拜上帝。漁歌,成了這些水上人心靈的避風港。時日久了,漁民記憶漸退,漁歌從海上飄到岸上,沉澱成安撫心靈的淡然之音。

Li Lian Shou hums the gentle tune of a fishermen’s song, “The large ships docked ashore, send him away on a sampan to the Lai County”. He sings in the same melody, but with a spontaneous rhythm, loosely following the sound of the waves. Fishing is the livelihood of the Li family on Grass Island. The fishermen’s songs, passed down from past generations, are now scarcely heard. Li was born before the war, he’s one of the few fishermen’s song expert in Hong Kong. None of his spouses are in the fishing industry, they never had the need to escape across the sea, knows nothing about their father’s singing talents. Some of them perform the fishermen’s songs, teaching them to the children in the community center; some of them preach with the fishermen’s songs, honoring God. The songs has become the sanctuary of their hearts for the men of the sea. Over time, the memories of the fishermen fade, but the fishermen’s songs sailed across the sea to the land, becoming sweet and gentle sounds of comfort.

 

導演簡介:

馬智恆,畢業於香港中文大學藝術系,其後在中大完成哲學碩士。現為香港獨立電影導演。活躍於錄像藝術、電影美術和藝術教育界。曾參與電影美術包括《男人四十》和《得閒炒飯》等。最新錄像作品有《二樓五仔記事簿》、《YHA 30+香港年青藝術家對談錄》,該系列為香港首個探討本地藝術生態的紀錄片計劃作品。


 

藝術螺旋 Art Spiral

Bosch, the Garden of Dreams

波希失樂園

荷西・路易・洛佩茲・里那瑞斯 Jose Luis Lopez Linares

西班牙 Spain | 2016 | 90 min
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/25(日)19:50 嘉義市立博物館1F放映室

 

《人間樂園》是著名的荷蘭藝術家耶羅尼米斯·波希(Hieronymus Bosch)於西元1490年到1510年所作,這是他最負盛名,也是最揭盡心力的一幅畫,其涵義與複雜程度,都是其他畫作無法比擬的。波希以高原創的筆法,重新詮釋聖經內文與民間傳說,處處留下象徵性的符號,在人間、天堂、地獄三聯畫中,展現了他超高而細膩的筆法,描繪出他心中的最真實的景象,讓這幅畫不斷維持在真實與虛幻的平衡中,無法斷定自己目前是在欣賞一幅畫,或是已身在其中。許多人看過這幅畫後,都擁有共同的感覺-這完全就是曾出現在自己夢中的意象。本片將以文學、哲學、科學的角度切入,步步帶領觀眾解析這幅世紀巨作。

It is one of the art world’s most enduring and enigmatic pieces, Dutch master Hieronymus Bosch’s iconic triptych, The Garden of Dreams, circa 1490 to 1510 (aka. The Garden of Earthly Delights). Having hung across four metres of Museo del Prado’s gallery space since 1939, this artwork continues to inspire wonder, fear and delight in equal measures, a testament to its timeless profundity.

 

導演簡介:

José Luis López-Linares荷塞·路易斯·洛佩斯-利納雷斯為著名西班牙導演、放映師,著名的作品有Storm the Skies (1997)、 El pollo, el pez y el cangrejo real (2008) 以及 Un instante en la vida ajena (2003)。


Little Tsunamis_1.jpg

Little Tsunamis

小海嘯

托比・克拉克森 Toby Clarkson

英國 UK | 2017 | 81 min
▲亞洲首映 Asia Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/25(日)13:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

在一個聽覺的世界裡,藝術,將會是何種形象?本片跟隨了三位聽覺藝術家的腳步-克里斯˙沃森,丹尼爾˙威爾遜和喬˙托馬斯,交織了許多線索、故事,以及藝術家們個人的描述,由導演的鏡頭記錄下這一小片有關聲音的故事。對這三位藝術家來說,聲音是最容易被忽略,卻又和我們生活密不可分的元素,許多人對聽覺沒有太大的興趣,但在他們耳中,卻是最美的天然藝術品。生命中曾經過的每道聲音都有其意義,他們或大或小,都影響著我們的日常。這三位藝術家,將以他們獨到的聽覺與手法,創造一場給觀眾帶來震撼的「小海嘯」。

A creative documentary about listening that starts out following 3 sound artists (Chris Watson, Daniel Wilson and Jo Thomas) but takes a surprising turn when the director meets the deaf writer Louise Stern on a bus. Little Tsunamis interweaves a number of individual narrative threads, all held gently together by the story of the directors journey to edit the film. Along the way we pass through a range of curious locations, culminating in an expanded horizon of listening beyond hearing.

 

導演簡介:

托比・克拉克森(Toby Clarkson),著名作品有《The Railway: First Great Western(2013)》、《Sugar Free Farm(2017)》、《Outrageous Acts of Science(2015-2016)》。


Singapore Minstrel_2.jpg

Singapore Minstrel

新加坡吟遊者

黄晞竭 Ng Xi Jie

Singapore | 2015 | 91 min
■台灣首映 Taiwan Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/31(六)10:30 嘉義市立博物館1F放映室

 

對你來說,街頭藝術是什麼? 是一段路過的風景,還是藝術家本身的自我證明? 對羅伊(Roy Payamal)來說,多彩的街頭藝術,是他內心靈魂最真實的寫照。每次表演前,就得花費一大段時間準備舞台、化妝,再把他內心的真實世界呈現給群眾。他並不期待每位觀眾都能了解他的抽象藝術,但他只希望群眾能享受當下氛圍,沉浸在他創造出來的世界。新加坡有著像他一樣各式各樣街頭藝術家們,用音樂,或用身體,乘載著自己對於社會的寫照,對他們來說,創造出屬於自己的世界,包覆著路過的群眾一同沉浸享受,就是最好的回饋與報酬。

Roy Payamal is the wildest busker of a country ranked the world’s most emotionless society. He takes his undermined line of work as a serious art- but is his faith impossible idealism or an admirable conviction? Singapore Minstrel is an invitation into his beautiful mind, a magical, trying universe where art and life dialogue in a tropical dream. An old-time pioneer of the local scene, sometimes dubbed the ‘Silver Man’, Roy creates spectacular installations for his mind-boggling acts. His street colleagues are a troupe of offbeat, seasoned buskers– from a 70-year-old man who dances Gangnam Style with vitality, to a lovable guitarist trying to pass the busking auditions. The film flows kaleidoscopically from interviews to fantasy sequences, to raw footage of everyday life Roy captures on his mobile phone.

 

導演簡介

XI Jie Ng,為知名新加坡導演,其短片曾出現於新加坡藝術節、新加坡短片獎、魁北克國際民族電影節、亞裔美國人國際電影節等。


ArtBastard_2.jpg

Art Bastard

藝術混蛋

維克托・肯夫斯基 Victor Kanefsky

美國 USA | 2016 | 82 min
▲亞洲首映 Asia Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/17(六)13:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

藝術該如何與社會做連結? 藝術的價值,該嘩眾取寵,還是孤芳自賞? 該向「錢」看齊,抑或是堅持完成自我理念?導演維多˙卡涅夫斯基(Victor Kanefsky)在本部片中,藉由紐約的獨立藝術家羅勃˙塞內德拉(Robert Cenedella)的生活,帶領觀眾面對以上的問題。片中出現的藝術家,勢必會遇到抉擇的時刻,該走向商業化,或是維持自己最初的理想。Art Bastard以幽默但不失深度的手法,向觀眾呈現這些藝術圈的現況,這些問題,都是值得螢幕前的觀眾仔細咀嚼思考的。

What is art and how does it relate to society? Is its value determined by its popularity or originality? Is the goal profit or expressing one's personal vision? These are some of the questions raised as we follow fiercely independent New York artist Robert Cenedella in his artistic journey through decades of struggling for creative expression. A student, protégé and friend of German artist George Grosz, Cenedella is now passing on the legacy of Grosz's approach to art, in the very same room where Grosz taught. In portraying Cenedella's determination to buck the system of what's popular while critiquing that popularity in his attempt to turn the art world upside down, ART BASTARD is a funny, touching, and insightful look inside the maverick mind of a true original

 

導演簡介:

維多・卡涅夫斯基(Victor Kanefsky)為美國導演、製作人,著名的作品有 Wit's End (1971)、 Art Bastard (2016) 以及 Nightmare Man (2006)。


Beltracchi: The Art of Forgery

蘇富比偽畫大師

亞恩・博肯斯塔 Arne Birkenstock

德國 Germany | 2014 | 93 min
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/23(五)19:45 嘉義市立博物館1F放映室

 

沃夫岡・貝特萊奇(Wolfgang Beltracchi)是德國最著名的偽畫家,在2014年爆發了德國藝術史上最大的偽畫訴訟案,而導演的父親就正好是這位藝術家的辯護律師。偽畫的事跡東窗事發,揭開了沃夫岡長達40年海撈相當於18億新台幣的偽畫生涯。而本片帶領觀眾一窺偽畫的奧秘,並揭露了平常人無法接觸的藝術交易市場,同時從藝術家口中的陳述,探討偽畫和藝術的差別。沃夫岡˙貝特萊奇長年的偽畫,每高價賣出一幅,彷彿就嘲笑了藝術品商人一次,價錢越高,越顯得藝術在這些人手中的市儈俗味。

A mesmerizing, thought-provoking yet surprisingly amusing documentary on the life and times of Wolfgang Beltracchi, who tricked the international art world for nearly 40 years by forging and selling paintings of early 20th-century masters. A larger-than-life personality who was responsible for the biggest art forgery scandal of the postwar era.

 

導演簡介:

亞內・勃肯(Arne Birkenstock)為著名德國導演,曾獲得德國電影獎最佳紀錄片、德國電影獎最佳兒童電影,”蘇富比偽畫大師”是他最為人所知的一部作品。


 

喀什海默爾大師專題 Behind the Master: Manfred Kirchheimer

My Coffee with Jewish Friends

我與猶太好友的咖啡時光

曼費德・喀什海默爾 Manfred Kirchheimer

美國 USA | 2017 | 90 min
▲亞洲首映 Asia Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/24(六)10:30 嘉義市立博物館1F放映室

 

嘉義國際藝術紀錄影展為您獻上喀什海默爾導演最新的作品。坊間流傳著一句話:「有兩個猶太人的地方,就有三種意見。」本作以幽默且富啟發性的系列談話,從18歲到85歲不等,從初出茅廬的毛頭小子到普利茲獎的獲獎者,與談者包羅萬象。而電影的主題涉略完整且具豐富性,從以色列議題到緊身牛仔褲,從同性戀權利到哭牆的女士祈禱區,都是喀什海默爾導演與群猶太好友的桌邊話題。

CIADFF presents the Asia premiere of Kirchheimer’s latest film, a humorous and illuminating series of coffee klatches with 20 friends that proves the old adage, “Where you have two Jews, you have three opinions.” Ranging in age from 18 to 85, and in experience from greenhorn to Pulitzer-Prize winner, the film’s subjects kibitz over all manner of concern, from Israel to tight pants, gay rights, and the place of women at the Wailing Wall.

 

導演簡介:

曼費德.喀什海默爾(Manfred Kirchheimer),一名具有強烈敘事觀點的紐約獨立製片人。他的作品被視為獨樹一幟的蒙太奇拼貼,觀點錯綜且質地強烈。以原始嘻哈文化的狂野,搭配上當代城市美學的編年紀實,每一部作品都富有其奔騰熱力。回顧其數十載的創作歷程,充斥著對於藝術的熱愛與其無窮追求,逐年增長的歲數似乎也綁不住他的赤子之心。這是他創作生涯精選回顧,藝術紀實大師具現化剖析。


CANNERS.jpg

Canners

我的破爛人生

曼費德・喀什海默爾 Manfred Kirchheimer

美國 USA | 2017 | 78 min
▲亞洲首映 Asia Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/31(六)15:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

花費數小時、穿越數英哩,紐約的拾荒者們收集並回收那些散落的鐵罐,只為了一餐溫飽。而從他們的口中,你能聽到幽默,暴力,悲慘和韌性。那樣的反差,正如喀什海默爾的這部紀錄片作品所揭示,然而,他們孜孜不倦的勞動卻被社會無情地漠視。相反地,某些善者則選擇遞出他們的友誼,同時收起那目中無人的冷眼旁觀。

Rummaging through city trash for hours and miles, New York’s gleaners gather and recycle soda cans for a nickel apiece. The stories they tell are full of humor, violence, tragedy, and resilience. As Kirchheimer’s documentary reveals, however, their tireless labor is ignored or scorned, but for the occasional doorman or Good Samaritan who chooses to lend his hand rather than avert his gaze.

 

導演簡介:

曼費德.喀什海默爾(Manfred Kirchheimer),一名具有強烈敘事觀點的紐約獨立製片人。他的作品被視為獨樹一幟的蒙太奇拼貼,觀點錯綜且質地強烈。以原始嘻哈文化的狂野,搭配上當代城市美學的編年紀實,每一部作品都富有其奔騰熱力。回顧其數十載的創作歷程,充斥著對於藝術的熱愛與其無窮追求,逐年增長的歲數似乎也綁不住他的赤子之心。這是他創作生涯精選回顧,藝術紀實大師具現化剖析。


Art Is... The Permanent Revolution_2.jpg

Art Is... The Permanent Revolution

藝戰無止境

曼費德・喀什海默爾 Manfred Kirchheimer

美國 USA | 2012 | 82 min
▲亞洲首映 Asia Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/31(六)20:30 嘉義市立博物館1F放映室

 

起筆揮毫、穿針引線、亦或鑿木取型,戈雅,波薩達,科爾維茨及格羅茲等藝術家,以苦口的反諷,憤怒以及悲傷作為號召,形塑並譴責那些隱晦的政治虐待和社會不公。喀什海默爾邀請三位當代藝術家(Sigmund Abeles,Ann Chernow和Paul Marcus)和一位印刷巨匠(James Reed)來重現版畫和圖形藝術的強大能量,並以煽動的口吻向觀眾講述那「抗爭藝術」的無限可能。

Wielding a pen, an etching needle, or a wood-gouging tool, artists as far ranging as Goya, Posada, Kollwitz, and Grosz have depicted and decried acts of political abuse and social injustice in tones of bitter irony, outrage, and lamentation. Kirchheimer invites three contemporary artists (Sigmund Abeles, Ann Chernow, and Paul Marcus) and a master printer (James Reed) to reflect on this potent, even incendiary, aspect of printmaking and graphic arts throughout history, and on the viability of protest art today.

 

導演簡介:

曼費德.喀什海默爾(Manfred Kirchheimer),一名具有強烈敘事觀點的紐約獨立製片人。他的作品被視為獨樹一幟的蒙太奇拼貼,觀點錯綜且質地強烈。以原始嘻哈文化的狂野,搭配上當代城市美學的編年紀實,每一部作品都富有其奔騰熱力。回顧其數十載的創作歷程,充斥著對於藝術的熱愛與其無窮追求,逐年增長的歲數似乎也綁不住他的赤子之心。這是他創作生涯精選回顧,藝術紀實大師具現化剖析。


Spraymasters

整個城市都是我的塗鴉牆

曼費德・喀什海默爾 Manfred Kirchheimer

美國 USA | 2007 | 82 min
▲亞洲首映 Asia Premiere
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

4/01(日)19:30 嘉義市立博物館1F放映室

 

在70年代的紐約,被塗鴉創作包覆著的地鐵列車標示著文明的興衰。時至今日,塗鴉則成了競標拍賣、學術論文和時尚品牌的常駐元素。《整個城市都是我的塗鴉牆》一片記錄了時代的脈動,跟隨著四位前塗鴉藝術家Zephyr,LeeQuiñones,Lady Pink和Futura 2000的腳步踏上旅程,這群藝術家十幾歲時冒著生命危險、監禁風險,穿梭在地鐵中打響街頭名譽戰爭的第一炮。《整個城市都是我的塗鴉牆》記錄了紐約的社會能量,無論是好是壞,都為紐約的發展進程鑄下了一筆。

In 1970s New York, graffiti-covered subways symbolized the decline and fall of civilization. Today, graffiti is the stuff of auction bidding wars, academic dissertations, and Mall of America fashion lines. Set to a pulsating original soundtrack, Spraymasters follows four ex-graffiti artists—Zephyr, Lee Quiñones, Lady Pink, and Futura 2000—who as teenagers risked life, limb, and incarceration tagging subway cars in a fierce bid for street cred. Spraymasters documents a New York phenomenon that—for better or worse—has gone the way of the Automat and the egg cream.

 

導演簡介:

曼費德.喀什海默爾(Manfred Kirchheimer),一名具有強烈敘事觀點的紐約獨立製片人。他的作品被視為獨樹一幟的蒙太奇拼貼,觀點錯綜且質地強烈。以原始嘻哈文化的狂野,搭配上當代城市美學的編年紀實,每一部作品都富有其奔騰熱力。回顧其數十載的創作歷程,充斥著對於藝術的熱愛與其無窮追求,逐年增長的歲數似乎也綁不住他的赤子之心。這是他創作生涯精選回顧,藝術紀實大師具現化剖析。


 

法國全景窗 Narration de la France

遇見黑天鵝王子.jpg

Reset

遇見黑天鵝王子

泰利·狄馬士亞 Thierry Demaiziere/艾班卻利 Alban Teurlai

法國 France | 2016 | 120 min
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/17(六)10:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

班傑明米爾派德(Benjamin Millepied)出生於法國波爾多,在美國擔任舞者長達二十年,晉升為紐約芭蕾舞團的首席舞者,他在2010年為電影《黑天鵝》擔任編舞的工作,並在電影中擔任王子的角色。2014年,班傑明獲邀回到法國,成為巴黎歌劇院新任總監,他僅用三個月的時間,親自編舞、排演、挑選交響樂團、音樂以及訂作服裝、道具等等。他打破傳統,大膽採用非裔及亞裔的舞者。他是超過百年歷史的巴黎歌劇院最閃耀的一顆新星,他將如何為傳統帶來創新?我們將在這一夜得到深深的感動。

Benjamin Millepied was born in Bordeaux, France. After 20 years as a dancer in the U.S., he got promoted to principal dancer in the New York City Ballet. He was the choreographer of the 2010 film “Black Swan”, and played the role of the prince in the film. In 2014, Benjamin was invited back to France as the new head of the Palais Garnier, leaving him only three months to choreograph, pick out the orchestra, the music, and get the costumes and props ready, which he insisted on overseeing. He broke with tradition, boldly choosing dancers of African and Asian descent. How would the brand new shining star of the centuries-old Palais Garnier transform traditions and innovate the future? Prepared to be moved tonight.

 

藝術家簡介:

班傑明米爾派德,前紐約市芭蕾舞團的首席舞者、L.A. Dance Project舞團編舞家。走訪世界各國後回到故鄉法國,於2014年11月1日接任布莉姬拉菲佛的職務,擔任巴黎歌劇院芭蕾舞團的舞蹈總監。對於年輕、勇於冒險創新的他而言,接下舞蹈總監一職是自己一直以來的夢想。


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A Journey Through French Cinema

法國光影半生緣

貝特朗・塔維涅 Bertrand Tavernier

法國 France | 2016 | 191 min
中英字幕 Mandarin/English Subtitles

3/30(五)18:00 嘉義市立博物館1F放映室

 

威尼斯影展終身成就獎名導貝特杭・塔維涅,引領觀眾前往迷人的法國電影世界。鏡頭走過洋洋灑灑50 載,熟悉的新浪潮不過一隅之地,例如傑克德米(《秋水伊人》導演)之前,有尚皮耶梅爾維爾(《大黎明》導演)原創歌舞傑作。塔維涅六歲看過傑克德米,從此對電影死心塌地。從尚雷諾瓦、克勞德夏布洛到梅爾維爾,他都有第一手資料,講來娓娓動聽。他重新為導演分類,雅克貝克(《洞》導演)和克勞特蘇堤(《今生情未了》導演)是一路,梅爾維爾身上有羅伯布烈松(《扒手》導演)。當畫面出現珍貴幕後片段,更加是杭塔維涅自由註腳時刻。

Venice Film Festival Lifetime Achievement awards recipient, director Bertrand Tavernier is taking viewers on a ride through the world of French movies. When put alongside films spanning over 50 years, current trends are merely drops in the ocean. For example, before Jacques Demy (Director of “The Umbrellas of Cherbourg”) there were musical masterpieces by Jean-Pierre Melville (Director of “Un fic”). Bertrand Tavernier fell madly in love with film after seeing the works of Jacques Demy when he was six. He has first-hand information and experiences with industry giants from Jean Renoir, Claude Chabrol, to Jean-Pierre Melville, he can go on for hours about them. He re-categorized the directors, Jacques Becker (Director of “The Hole”) and Claude Sautet (Director of “A Heart in Winter”) are in the same category, and he sees the influence of Robert Bresson (Director of “Pickpocket”) on Jean-Pierre Melville. The film contains rare behind-the-scenes footage, annotated by Bertrand Tavernier.

 

導演簡介:

貝特朗·塔維涅,為法國電影導演、編劇、監製、演員。他生於里昂,父親René Tavernier是一位作家,曾任法國國際筆會主席。1984年獲得坎城影展最佳導演獎。1976年和1997年兩度獲得凱撒電影獎最佳導演獎。2015年獲得第72屆威尼斯影展終身成就獎。


 
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